Nass El Ghiwane - Ya Chafi, Ya Afi (MP3)
Nass El Ghiwane - El Mekkaoui (MP3)
Nass El Ghiwane - Hamdouchia (MP3)
Nass El Ghiwane - El Gasba (MP3)

Votre bibliothèque musicale c'est un peu votre album photo de voyage, à chaque fois que vous prenez un disque c'est un torrent de réminiscences qui vous mente à la tête, des clichés qui passent en slideshow à l'arrière plan de votre conscience imageante, des poses qui font marche arrière, des visages désappris qui s'exhument de votre mémoire stigmatisant chaque moment d'une impardonnable glose comme un soleil perdu qui couche ses rayons sur un fleuve oublié. Votre bibliothèque musicale c'est votre autobiographie rangée et poussiéreuse, c'est votre journal intime accordé d'un million d'interprétations spiritualistes, c'est vos commentaires imputés, vos consternations noires, vos euphories rouges, c'est votre vie snobée, votre temps perdu, votre lieu ermite et lanciné.

Au fur et à mesure que votre collection se bouffit, vous vous dégonflez, comme nous d'ailleurs quand on est arrivé un jour à jouir du luxe prêté par l'abus de la transe sur nous, puis jurer qu'elle est un état d'esprit de souche maghrébine, nord-africaine puis on est allé calligraphier sur les murs des deux côtés du fameux Chemin Cheikh Bachir El Ibrahimi : " James Brown est un Soudanais ! " et qu'il ne faisait que subir la transe du Gnawi et s'en extasier jusqu'à avoir l'opinion funky, jusqu'à avoir un punch sève pour pouvoir danser comme un neutron libre, comme si qu'il a été piqué par une mouche qui a bue de l'eau travaillée par un marabout mauritanien.

C'est psychoïde tout l'effet que la musique Ghiwanie avait et peut avoir sur un être humain. Le registre musical de Nass El Ghiwane symbolise en lui seul toute une partie de l'histoire du Maroc, leurs chansons sont de vraies échappatoires des fouets de la pauvreté, de l'absence des libertés, des subis individuels et de la perdition collective. Leurs textes sont insoumis, sévères pour le système astreignant, souvent tirés de la poésie, de la religion, des proverbes et dictons populaires, ont acquis une immortalité artistique de par leur éventualité contextuelle et la puissance de leurs interprétations musicales enrichie par des influences tirées principalement du Gnawi, du berbère et du chant Aissawa ce qui donne une multitude d'instruments appliqués avec grande maîtrise. L'éventualité contextuelle se manifeste dans l'adhésion des différentes composantes de la société avec toutes leurs divergences culturelles, idéologiques et intellectuelles. La puissance de l'interprétation est toute cette harmonie d'un orchestre qui joue à perfection une musique qui suscite l'imagination et donne la transe à son auditeur jusqu'à devenir un orchestre de rêve, extraordinaire et là c'est Martin Scorses qu'on entend les présenter comme les Rolling Stones de l'Afrique.

The New Pornographers - My Rights Versus Yours (MP3)

The New Pornographers - Myriad Harbour (MP3)

The New Pornographers - Entering White Cecilia (MP3)

En 1969, Chris Hodenfield, journaliste au Rolling Stone écrit : En 1957, il a été conclu qu’il existe une relation de cause à effet entre le rock ‘n’ roll et la délinquance..  Mais c’est bien plus tard que Jimmy Swaggart qui pense avoir trouvé la bonne définition au rock ‘n’ roll en l’appelant: The New Pornography. Contrairement à ce qu’on pourrait attendre d’une telle bannière, rien ne m’appel à mettre un code parental sur ce poste, les mille pêchés de la musique sont connus depuis toujours, mais un pareil titre pourrait tous juste nous rappeler les déboires du pelvis avec les aïeules de Swaggart.

Challengers. Aussi simple que claire comme titre d’album recouvert d’une aversive pochette, ce qui ne peut être le cas d’ailleurs de la power-pop du supergroupe, pas du tout simpliste. Le ramassis quasi-canadien conduit par l’excellent A.C. Newman, composent des chansons euphoriques utilisant un grand nombre d’instruments ( accordéon, guitares, violoncelle, contrebasse, percussions, cuivres.. ) Fournissant à leurs chansons une instrumentation digne d’un orchestre pop  déjà responsable de trois beaux travaux, ( Mass Romantic 2000, Electric Version 2003 et Twin Cinema 2005 ). Les trois interprètes du groupe : Newman, Case et Bejar, dans une diversité vocale cohérente renforçant cette impression qu'on a depuis le permière écoute, ce quatrième album est plus léger que ces précédents, c'est-à-dire que les compositions ne sont guère provocantes même si parfois en attend un peu plus de force, vainement, une sensation que personnellement je retrouve sur les quelques chansons qu’interprète la rouquine Neko Case qui, malgré son talent indiscutable, est loin d’être touchante comme le cas d’Amy Milian du côté de leur compatriote Stars.. Peut-être par précaution de ne pas être trop mielleux et confirmer leur registre avec cette pop électrisante, compliquée et très mélodique. Très loin d’être dansante ni trashante mais juste à écouter, apprécier sans se laisser feinter par le nom du groupe même si peut être le grand pêché de cet album reste le fait d’être trop accrocheur.

MC5 - Ramblin' Rose (MP3)

MC5 - Kick Out The Jams (MP3)

MC5 - Motor City Is Burning (MP3)

Pendant les années 60, sous l’influence de John Sinclair, la plupart des musiciens de Detroit étaient fascinés par le Jazz, et notamment le free-jazz cosmique de John Coltrane, Sun Ra ou Pharoah Sanders, ce dernier pratiquant une musique très influencée par l’Afrique, un sens de l’improvisation mêlé à une appréhension très percussive de la musique, venant donc directement du Jazz, mais aussi du Funk naissant de James Brown, qui avouait alors « commencer à entendre tous les instruments comme des tambours… ». Et beaucoup de groupes ont changé, dont on noterait que le légendaire MC5 était en pole-Position. En 1996 Iggy Pop se souvenait de leur métamorphose : « Quand j’allais voir le MC5 à ses débuts, c’était un groupe de reprises Rythme & Blues et British beat. Ils étaient durs, de vrais poseurs, avec un son vicieux… et deux ans plus tard, après avoir sucé un paquet d’acides, écouté du jazz et emménagé à Downtown Detroit, soudain, c’était cosmique. Les chansons étaient deux fois plus rapides, les solos blues dégagés ou légèrement décalés pour sonner supersonique. Et moi, j’écoutais ça, et j’étais terrassé. C’était ce qu’il fallait faire, simple et puissant.. »

Le MC5, Motor City Five, le plus féroce des groupes de Rock ’n’ Roll ayant jamais vu le jour. Au nom sonnant comme un numéro de série sorti d’une usine de Detroit. Quatre terreurs machistes et anti-hippies et un chanteur myope avec une coupe afro, un guitariste qui décolle a la vitesse du son, il s’appelle Fred Smith, plus tard guitariste légendaire connu sous le sobriquet de Fred « Sonic » Smith. Ensemble, ils méprisent le rock « acide » de la côte Ouest et vénèrent le free-jazz et le Rock ‘n’ Roll des années 1950. Pour eux, tous les autres groupes sont des… leurs concerts au Grande Ballroom de Detroit attirent régulièrement une foule de désaxés à l’esprit vrillé tombant comme des mouches durant les attaques guitaristiques sans pitié de Fred « Sonic » Smith et Wayne Kramer, s’envolant régulièrement dans des improvisations free d’une violence inouïe. Le MC5 en a après la police, après la CIA, après le gouvernement, après les blaireaux, après la religion, après les babas cool, après les femmes, « après les Bloggeurs ! ». MC5 ne croit pas au « pouvoir par les fleurs » : Le groupe veut simplement tout faire exploser avec John Sinclair, gourou free-jazz d’extrême gauche, ils flirteront brièvement avec l’activisme à grand renfort de «  Brothers and Sisters », se créant, des années avant Public Enemy, un « ministère de l’information », un « ministère de la propagande », poussant le bouchon jusqu'à créer les «  White Panthers », formation blanche solidaire des Black Panthers. Leurs trois albums : Kick Out The Jams, Back In The USA et High Time restent aujourd’hui, au même titre que ceux des Stooges, des manifestes de démence sonore à l’urgence toujours parfaitement intacte. Le MC5, de plus en plus impliqué dans l’activisme politique de Detroit devient littéralement le groupe du Michigan. Il se fait remarqué par Danny Fields, directeur artistique chez Elektra.
Kick Out The Jams sonne encore étonnamment puissant après près de 30 ans. Enregistré live au Grande Ballroom de Detroit en 1968. Cette implacable et agressive suite offre la frénésie de politisation de Garage-Punks soufflées à travers des batteries géantes : Une guerre-éclair de roches dures enflammé par le duel de guitares de Wayne Kramer et Fred Sonic Smith et du chant étranglé de Rob Tyner. Comme des Stooges avec un trop plein d’idéaux antisyndicaux, les Cinq ont transformé Motor City en une Mecque d’excès de son et de détonation et ont détruit les rêves des hippies « hébétés » de l’Amérique. Dès le martèlement de la chanson titre de huit minutes et demie évoquant bizarrement Starship de Sun Ra, Kick Out The Jams vous déchirera la tête en petits lambeaux, un disque décoiffant, mais reste l’un des meilleurs live de tout les temps, a écouter sans drogue bien sûr, car même cette dernière a donné une affluence sans précèdent au Five, mais reste qu’elle a contribuer au gâchis de leurs talents, la brièveté de leur carrière marquées par les emprisonnements et les décès successifs.

Succès, un grand.. voilà ce que je pouvais dire tout simplement si ce n’était ce besoin de tout confier et à la fois, d’avaler la dernière gorgée de cette canette et la poser délicatement sur la table. Reprendre ce clavier qui fait trop de bruits, car j’avais remarqué, ni le clavier, ni une canette vide ne produisait un son homogène avec ce que je perçois, là, écoutant ce Moon Safari. Pourtant c’est électronique et j’aurais jeté 10 canettes si c’était Autechre.

Air, ont déjà fait dans ce genre, un electro experimental mais très léger, allant de l’Ambient lent vers une pop respiratoire, parfois jazzy et très mélodique, des airs rétro rappelant les B.O de films classiques plein de nostalgie et de rêveries. Nicolas Godin et Jean-Benoit Dunckel avec leurs airs frais presque inimitables, nous emmènent dans un safari lunaire avec leur electro très doux, où des instruments joués avec un rythme cardiaque très stable, du violon majestueux au accords de guitare magnifiques et cette harmonica un peu triste qui donne cette impression bizarre ( qui dure déjà ) qui fait que tu peu prendre ton bain, t’habillé, faire ta cuisine mais surtout allumé une autre cigarette et ouvrir une autre canette sans jamais penser a changer de disque.

Moon Safari est tout simplement excellent, rien que ça, puis si ça ne donne pas envie de changer de disque pour, seulement mettre un autre de Kraftwerk, t’aura sûrement envie de (re)voir un vieux films genre Alice au Pays des Merveilles tout en fumant des Gouloises, le french touch a l’air d’être déja amorcé par cet album, cet air frais, un peu rétro mais pas du tout recyclé.

Tim Buckley - Strange Feelin' (MP3)

Tim Buckley - Buzzin' Fly (MP3)

Tim Buckley - Love From Room 109 at The Islander (On Pacific Coast Highway) (MP3)

Peut-être qu’en 2007, nous autres campeurs avons plus besoin de vivre notre destinée que d’écouter les autres confesser leurs fantasmagories, leurs hallucinations dans l’état onirique sincère ou même dans l’état oniroïde. La vie, n’est pas assez courte pour s’installer confortablement sur son rocking-chair fictif et voir ( écouter / lire ) les autres la vivre ? C’est ce qu’on pense ou du moins ce qu’on dit, mais toujours est-il qu’espérant bien vivre, en a tendance quand même de penser que lire par exemple des dramatiques du théâtre élisabéthain de Shakespeare ou se laisser ballotter les sens par les Paradis Artificiels de Baudelaire, est un acte civil qui témoigne de notre attachement à la culture, elle-même signifiante d’une [...] vie. Mais qu’en est-il de ces œuvres ? Ne sont-elles pas leurs propres pérégrinations chimériques ou, souvent, leurs autobiographies artistiquement exprimées. La vie n’est elle pas le don de l’artiste ? J’en suis sûr qu’on trouverait une œuvre d’art autour de chaque humain encore en vie si on arrête pour un instant de chercher le bonheur. Ce bonheur même que les icônes du Rock dûment rater en s’abattant dans leurs vies marquées par la drogue, l’alcool, les femmes dangereusement ambitieuses et le vagabondage. Un style de vie qui fait la poésie même de cet art populaire majeur du dernier siècle.

Des cadavres par dizaines, de Brian Jones à Kurt Cobain en passant par Jimi Hendrix, Nico, Jim Morrison, Keith Moon et beaucoup d’autres que l’histoire a balayés. Véritables légendes ou simples porteurs de dons incontrôlables, submergeant de terreau noir, certainement toujours fragrant mais parfaitement terne, perpétrant des performances hier spectaculaires, aujourd’hui anodines.

Lui il en fait partie, prisonnier de l’expérience a l’objet imaginaire, le psychisme humain de Tim Buckley prend l’appréhension du réel vers un rêve évasif motivé par une conscience imageante mais significative. Après deux albums, Tim avait bâti sa réputation essentiellement sur sa voix qui jongle sur une gamme vocable remarquable de cinq octaves, qu’il utilise souvent comme un autre instrument d’un folk de culte pourtant déjà assiégé par un certain Nick Drake.

L’homme a la voix angélique n’a jamais cessé d’expérimenter la musique : folk, pop, (psychédelic)-rock avant de déclarer son attachement a un style qui l’accompagna jusqu'à la fin de sa carrière, je veux dire de sa vie. Même s’il est déjà charmé par les travaux de Charles Mingus  et  Thelonious Monk , c’est le Jazz modal qui prend de l’ampleur sur Happy Sad  du simple fait que Lee Underwood (guitare) bras droit de Buckley est un fasciné par la musique de Miles Davis -on remarquera quelques accords du Fameux  All Blues  sur  Strange Feelin' - procurant à Tim un terrain propice a l’imaginaire conjugué à son sens infus de l’improvisation de par les perspectives que porte le Free-jazz. Le résultat est une production majestueuse pour un comportement paraphrasant une liberté dans l’interprétation de six morceaux enregistrés pour la plupart en une seule prise.

Avec sa folky à 12 ficelles et une voix contrôlée au niveau d’un thorax bouillonnant d’une tristesse étrangement sous-jacente, il inaugure l’odyssée avec   Strange Feelin’  qui elle-même prélude avec quelques carillons atonaux convenablement délicats sur le vibraphone de Davis Freedman et même avant la première ligne vocale de Buckley on sait dores et déjà que c'est une musique qui va nous emmener à un endroit différent... Quelque part où la tristesse et la joie cohabitent et font du rêve une œuvre d’art élucidant une mélancolie qu’on retrouve sur Buzzin Fly après 7 :41, à bit more energetic, mais d’une résonance pop-romantique quasi-simple permettant la transition à Love From Room 109 At The Islander [On Pacific Coast Highway] l'un des deux axes de l’album, la voix singulièrement dramatique sur une octave plus bas d’un homme plus enjôleur et romantiquement enivré que jamais, s’étendant sur 10 :49 D’hallucinations parnassiennes vigoureusement exaltantes, des inquiétudes plus sombres de solitude et d’un désir ardu accompagnées par des cordes sur l’une des chansons jazz les plus vertueuses que j’ai écouté : Oh, how can my giving find the rhythm and the time of you / Unless you sing your songs to me / The smell of your sweet skin does entangle my dream / Oh may I stand here awhile living your smile.

Dream Letter est une missive touchante d’un père absent à un fils naissant, que ce dernier n’hésita pas la lui rendre trois décennies plus tard. Sur ce tour de force musical et vocal, le deuxième axe de l’album, Gypsy Woman[1] peut être sa chanson la plus populaire, elle est d’une urgence et profondeur fournies par l'addition du congas de Carter Collins et par David Friedman qui change au marimba. La guitare électrique de Lee Underwood est autorisée à se dégager, il y a même un épisode quasi-oriental avec une acoustique complètement détonnée. Sur ce travail de douze minutes dépassées, Buckley est a cheval et vient défier les Orientaux sur leur façon de chanter. Il négocie avec ces appétences sensuelles, ses méchants cris d’une voix de garçon lancinée et torturée, ses braillements et mugissement, a ce niveau-là… Les hommes ne savent pas, mais les petites filles comprennent…

Un dernier coup de corde et nous nous retrouvant complètement délaissés à notre faim, la fin commence avec un air des plus sucré ici : Sing a Son For You l’épisode le plus délicat et honnête, c’est une fin fine à tout ça, du meilleur album de Tim Buckley peut-être, mais certainement de l’un des meilleurs de ce siècle.